轉調的時候,常用的手法是從屬七和弦轉.比如.現在在C大調,要轉到F大調,那么可以用C-C7-F,這只是個例子.如果C7前的和弦不適合直接轉C7,可以多轉折幾下.比如.我在轉到bE大調,當前和弦是C,可以用C-B7-bB7-bE.

　　其實咱們最經常聽到的和弦進行,先前都是西方的情歌,BALLAD里面用到的,很多手法都是從不同種類的風格中的音樂中引用過來的.我們平常聽到的流行歌曲非常通俗化,也許廣告上說這首歌是拉丁風格,BOSSANOVA風格,等等,其實可能只是用了人家的一種節奏,用了人家常用的一種音階或常用的一種民族樂器.真正聽到了比較正的那種風格的音樂,也許還會讓聽慣了商業味濃重的歌曲的你感覺不習慣,不好聽.所以我這里只說一些我這些年來聽口水歌總結出來的東西,只要能用語言寫下來的,能用典型例子總結出來的我都寫.我相信會對大家有用.這不是一條正道,但絕對會是捷徑。

　　三、跟著和弦寫旋律

　　我說的寫旋律指的是你在一架鋼琴或一把吉他上彈出和弦伴奏的時候即興唱出或想出旋律這個過程中我積累的一點經驗,我并不知道寫旋律的什么公式(如果有公式就牛B大發了...)

　　是不是經常你會覺得自己寫的歌曲給人感覺太業余,太生硬,太單調?是不是經常覺得靈感很匱乏?

　　我覺得有一個根本的,直接的原因,是這樣的:很多寫手在寫歌的時候,他用自己的樂器奏起一個和弦C,那么他的腦袋里想出的旋律里面90%都是1,3,5,彈一個和弦G那么他滿腦子都是5,7,2,其他的音都當成經過音了.有的時候可以寫出點東西來感覺還不錯,就是有土了點,聽起來就像BEYOND風行天下時的那種感覺...

　　那種東西拿到2004年來是當然不行的...在這里可能得罪BEYOND的歌迷了,但是你們要承認,他們的歌迷主要是從他們那個年代過來的人,他們早已不是主流了.

　　那么現在,用你的樂器彈出一個和弦C來.不管是在吉他上掃弦還是分解等等...什么都好,在4/4拍的一個小節中,請你隨興哼出一段旋律來,注意,不要只把注意力放在1,3,5音上,把2,6,7音當成同樣重要的音符來做.

　　咱們把2音說作9音吧,這樣更正確一些.如果這些音在這一小節的C和弦進行中起到了作用----我說的"起到作用"是說它們并不是作為經過音在旋律中出現,那么你會感覺到一些不同的色彩.9音,6音,7音都可以給你不同的色彩.但是注意.4音(11音)不要輕易用,從音律上講它是不和諧的,當然這并不是一個死教條,也有的時候會出現11或#11音比較突出但并不讓你覺得這個旋律的色彩很刺激,反而又會展現給你一種新的色彩.

　　現在要說到這篇和前兩篇掛上鉤的地方了.因為我們是跟著和弦來寫旋律(當然我也會經常腦中浮現旋律,記下來以后再給它配合適的和弦,這種情況這帖里不作討論),那么也要討論一下關于和弦的問題.

　　當然,現在說的就不是和弦的連接進行了.現在這樣,你彈一個Dm和弦,是2,4,6三個音.但如果加一個1音呢(對于D和弦來說應該是b7音),成了2,4,6,1,它成了一個Dm7和弦,它的色彩就不像Dm那么地暗淡,卻又不像D7那么刺激,讓你覺得有一點點暗卻又非常柔和.如果不加1音,加一個7音呢(對D和弦來說是6音),成了2,4,6,7,成了Dm6,給人的感覺要比Dm還暗,又比Dm要刺激,這又是一種色彩.

　　舉了這兩個例子我覺得大家可以舉一反三了吧.想想,如果你滿篇的都是大,小,7和弦,那你的旋律色彩必然非常單調,讓人覺得"嫩"也是在所難免的.當然如果這些基本和弦你一個也不用的話,也會讓人感到修飾得太多,不容易接受(對于流行歌曲來說).

　　再扯回到旋律上來.想想.彈2,4,6,1是一個Dm7的色彩.那么如果彈2,4,6而在旋律中寫進1呢,會不會得到同樣的色彩?答案是肯定的.當然,2,4,6,1這幾個音,每一個的突出程度也會對這一段音樂的色彩起一些微妙的變化.如果你強調1,色彩就更偏向Dm7,如果1音不太突出,那么色彩就偏向Dm.我的意思是說,我們加入一些和弦外音,其實在某種意義上和彈奏一個不同的和弦是很接近的。

　　四、補充和答疑

　　1.正視音樂理論。

　　樂理最大的作用在于能讓作者提高工作效率，我是這么認為的。做音樂的掙錢不是背的那么多知識掙，是作品掙，說白了就是學了不會用也是白搭。但樂理不一定要先“正規學”才可能靈活運用，你可以什么書都沒念過也沒找過老師，光憑自己摸索實踐出真知這的確很好用，只不過這樣摸索總會走彎路，而且有可能好不容易摸到的規律其實書上一句話就概括了而且還特簡單。我看好多人的意思是正規學習為上，請問什么算正規學習啊，你告訴我在中國哪能正規學習爵士鋼琴好不好?音樂學院的老師教授們都是神，都別講課了去讓你們供著得了。還有人說什么寫曲子得學過什么調式，和聲……請問這種東西學到什么時候是個頭?學到什么程度就可以出山了?樂理它本身就在發展，根本學不完。你說你在中音院花過幾年學過古典樂的調式和聲等等一籮筐東西，結果出來找活的時候人家讓你寫一首純60's Rock&Roll風格的不也照樣瞎么。樂理其實是一種輔助工具，就好象理科的公式一樣有了公式你做題就方便多了，同理也可以說你可以什么公式都不會，如果你的腦袋瓜子超強，那也行，較真的話這種大音樂家也是可能存在的，而且他的大腦運算速度得比N臺奔4還快——下一個和聲不知道怎么配?窮舉法啊。聽說玩電腦最強的人用的鍵盤上就三個鍵：0，1，回車，就是這個道理。當然，音樂理論跟公式又不完全一樣，因為公式一般都是絕對成立的，不成立的時候有不成立的條件，反正都說死了，但是樂理里的公式在哪都不絕對，根據作者要表達的思想的不同而起變化。這么多年來發展到現在的樂理都只是前人們總結的一些經驗，并且在不斷發展，進步和完善，迷信樂理就像迷信XX功一樣可笑。書上寫的不一定百分百正確，自學又容易走彎路，所以很多有老師帶的人進步就通常比較快一些，書上把重點給你標了，沒用的給你劃了，看著學就快了吧。不過話說回來，相對于絕大多數腦瓜沒有N臺P4算得快的我們來說，樂理它可就是非常地重要了。

　　除了樂理之外，還有太多需要積累的東西是很難用文字描述的，哪條理論里也沒說“在編一首XX風格的曲子時，應該在X的地方加入X樂器，X的地方轉調……”。我不知道是不是因為這樣，所以看到不少人叫囂著靈感這東西是很重要的。我個人認為這是很可恥的一種思想。靈感這東西可以說是像一個點子，主意一類的東西，光有個Great Idea可是你連一個八度里有幾個音都不知道，行嗎?那么多以寫歌為生的，人家沒靈感就吃不上飯了?你聽說哪個寫歌的到期交不出作品還倍兒有理說自己找不著靈感?靈感要真那么重要，那音樂學院的學生們真應該都馬上輟學去愛干嗎干嗎，找靈感，再把學校的教材當擦屁股紙使，反正沒靈感寫出來的東西也不是好作品，干脆不寫了。的確是有些人比如潭盾，人家真就是會到少數民族生活的地區去住一住采采風，可是你看人家是為了寫什么東西?沒有具體的感受他光憑自己肚子里的水寫不出來他想達到的標準。他要找的是具體的感受，不是隨機得來的閃現的靈感。現在就光是寫兩首流行歌就嚷嚷要靈感要靈感，請問你要寫的這點東西需要多么復雜的感受?你要表現多么復雜的東西?職業樂手在上臺即興演奏前就都保證自己靈感十足嗎?在沒有靈感的時候通過演奏的方式來激發自己的靈感，用的全都是自己一點一點積累起來的知識。沒有主動靈感你自己如果都不會激發被動靈感，也就是說你自己的理論和經驗的積累不夠，還非說因為自己沒靈感是很正當的，那你真是不折不扣的大垃圾!靈感它存在，它是個好東西，但它不是任何形式的音樂知識，不能通過學習得到或發展，所以說顧慮這個問題根本無用，反倒是弱者喜歡用靈感作為搪塞的理由，有時間去找靈感不如塌下心來寫寫改改自己的作品。對于踏踏實實學音樂的人來說靈感這是一個無聊的話題。

　　2.正視音樂本身。

　　如果要學習，多聽這一點非常重要，在把人家的作品拿來學習的過程中，一般要注意的都是人家風格的節奏調式，樂器搭配，和聲等等(畢竟系統地分析的話音樂是這么構成的，也只能分析這些分析得出來的東西)，然后在分析的過程中有所長進。通常認為，把曲子的中心思想表現得越好或者越能體現風格，作品就越是出色的。這些佳作里，很多作者都運用了比較高明的音樂技術和處理方法，這是要學習的重點，也有一些經典曲目分析起來很簡單，但就是非常好地突出了主題或風格，這便是靈感的作用，但它可遇而不可求，而在難度的問題上甚至有時某種風格本身都限制了和聲調式之類的復雜程度。